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VUELVEN LAS CURVAS

Desde hace ya un tiempo, estamos viendo como la imagen de la mujer ideal se ha visto alterada hacia un cambio más saludable. I como cada vez más se va alejando de una imagen enfermiza e irreal del cuerpo de la mujer.

La obsesión por la extrema y enfermiza delgadez encontró sus inicios en los sesenta ayudada por la insistencia en el canon por parte de moda, cine y publicidad, con estereotipos de mujer como Twiggy o Kate Moss en los 90 y las mujeres adoptaron esta imagen como la figura ideal, algo a lo que aspirar.




Pero poco a poca vamos viendo como esta imagen está cambiando, quizás pudiendo marcar como inicio la campaña reivindicativa de Isabelle Caro, de manos del fotógrafo Oliviero Toscani, contra los efectos de la anorexia, la cual causo un gran impacto mediatico, o la campaña de Dove por las mujeres reales. Pero hay muchos mas casos del resurgir de esta tendencia al cuerpo real de la propia mujer.






Entre las numerosas pruebas que ofrece el mercado se puede apreciar el gran éxito de mujeres con traseros voluminosos o curvas vertiginosas, como Jennifer López i su trasero, los exuberantes escotes de una Scarlett Johansson sensual y voluptuosa, la sensualidad de Christina Hendricks (Mad Men),o Beyoncé, luciendo en bikini un cuerpo todo lo alejado que se podía imaginar de modelos como Kate Moss, en la campaña de verano de H&M.








Un estudio de la Universidad de Durham (Reino Unido) reveló la importancia de la publicidad y los medios en este asunto haciendo un estudio en el que si se mostraba a mujeres que habitualmente prefieren la delgadez, imágenes de mujeres con varios tipos de talla, no elegían a las más delgadas.
La conclusión de esta investigación muestra la posibilidad de un cambio en el canon y en la mentalidad del publico hacia un estereotipo más saludable. Y esa es la dirección en la que parece ir la industria de la comunicación.


Marc Vela 
MM2
Imagen y comunicación



La moda y las tallas

La moda ha pasado por muchos cambios, tanto tecnológicos, como anatómicos. Empecé interesándome por lo tecnológico, pero no tardé en darme cuenta de que lo realmente más importante para mí, y de hecho  el cambio que más debemos agradecer, era el de nuestra mentalidad,  nuestra manera de ver y dar enfoque a las cosas. El cambio que han tomado nuestros pensamientos en cuanto a nuestra anatomía: la idea de lo bello y lo feo en nuestra sociedad actual. Precisamente al referirnos a la anatomía, quiero recordar las  curvas de la modelo Lizzie Miller, que  en 2009 con solo 21 años soltó un boom en el mundo de la moda cuando se desvistió para un artículo “The september issue 2009, p194” de Glamour Magazine, una revista de Estados Unidos.





La fotografía tuvo gran éxito después de ser puesta en el blog de una de las blogeras más reconocidas en el mundo de la moda, The Sartorialist, quien le dedicó tributo, y mostraba a esta mujer con una pose sumamente femenina, sonriendo pero mostrando barriguita y estrías. Los días que siguieron Miller recibió cientos de cartas y correos de mujeres de todo el mundo que se sentían identificadas con la mujer y su cuerpo “real”. Aunque en principios de los noventa también ha habido casos de “plus size models” en el mundo de la moda, siempre acababan adelgazando con el tiempo y perdiendo importancia, nunca destacaron como en el siglo XXI.

En 2009, un 41 % de las mujeres estadounidenses usaban una talla superior a la 14 americana que utilizaba la modelo antemencionada, y para llegar a un público como ellas nos enfrentamos a obstáculos,  porque debemos tener presente  que solo hay un 10% (estadística de NPD Group octubre 2009) de retailers cuyo público son mujeres de tallas grandes. Así que el trabajo consistirá en mostrar como esta mujer “real”, que simboliza un gran porcentaje de las mujeres,  también es bella, y reconocer que la talla no debe definir ni estilos, ni provocar juicios debido a un estereotipo  diferente, que pertenece a un  41% de la población femenina en EEUU.


Este articulo no solo ha abierto un debate entre consumidores y empresas, pero ha hecho que varias empresas se han vuelto a plantear sus campañas publicitarias, y cambiar su clientela. Como ha hecho Marc Jacobs, convertiéndose en la primera casa de alta costura que se centra en chicas grandes.


Mark Jacobs

Prada















En febrero de 2010 Mark Fast mostró su colección 
con mujeres de tallas grandes.




En 2011 Chanel presentó con su colección «Cruise» de mayo, a la modelo Crystal Renn en el desfile, algo que fue una sorpresa para todos, ya que Karl Lagerfelt había comentado anteriormente que no tenía ningún  interés en ver mujeres con este tipo de figura.


A parte de casas de moda, también hay revistas de moda como Vogue, Elle y V, que se han volcado a este cambio y han dedicado páginas enteras a modelos grandes.




La primera empresa de “beauty products” para mujeres grandes, Dove, ha tenido una campaña de “Real Beauty” desde 2004, y cada año sacan nuevos productos para la mujer bella y con curvas. Dove se fija en nuestro entorno e intenta cambiar para adaptarse a la sociedad en la que vivimos.


No solo es la marca Dove que ha ayudado a dar el paso hacia donde hemos llegado hoy.  Una de las pautas más importantes históricamente para intentar cambiar todo este asunto de las tallas grandes, fue en 2006, cuando en España se expulsaron a modelos delgadas de las pasarelas. Esto fue para mostrar un nuevo ideal de mujer, más saludable,  más sana y fresca. Fue una manera de  contrarrestar el tema de la anorexia. 

He dado énfasis a la modelo Lizzie Miller y no a empresas porque esta imagen, solo de una mujer, expresa mucho sentimiento, fortaleza y sinceridad, no es tan construida por la publicidad, es más real en cuanto a expresión. A parte de esto este artículo no solo ha despertado la mente de los consumidores, sino  que también la de las empresas, de los diseñadores y de las blogeras, quienes son los creadores de tendencias y  quienes marcan las pautas actuales, y marcaran las que van a venir. Hasta el momento este artículo ha destacado mucho, pero probablemente llegué un día en que  ya no lo hará. Así es la moda…

A lo largo de los años ha habido muchos cambios entre moda y género,  moda y futurismo, moda y retrospectividad, moda con lo cómodo o lo incómodo, lo bello y lo feo, pero es la primera vez que realmente nos estamos planteando, confrontando y profundizando en nuestro mismo cuerpo e imágen de manera psicológica,  y no solo física. Nos estamos diciendo a nosotros mismos que nos podemos permitir ser tal y como somos, y no necesitamos  de un ideal, hemos de sentirnos seguros de nosotros mismos. No se debe intentar esconder detrás de una sociedad que no acepta las realidades de la vida, hay que afrontarse a ellos para convivir con placer. Tenemos que aprender a respetar a los demás,  siendo irrelevante su apariencia, pero lo más importante es que nunca respetaremos a nadie si no nos respetamos primero a nosotros mismos. Debemos sentirnos seguros en nuestra propia piel.




Veronica Bamberg,
Mm1
Historia de la moda

Superhéroes. Repercusión en la moda


Durante la década anterior, se llevaron adelante algunas de las franquicias de superhéroes más rentables de la historia; X-Men (2000), Spiderman (2002), Daredevil (2003), Hulk (2003), Catwoman (2004), Los cuatro fantásticos (2005), Ironman (2008), Batman Begins (2005)o Watchmen (2009), con sus correspondientes secuelas y spin-off, que siguen hoy en día en pleno auge con estrenos como Kick-Ass (2010), Los Vengadores (2012) o Man of Steel (2013), la nueva version de Superman, dirigida por Zach Snyder (Dir. Watchmen y 300) con Christopher Nolan (Dir. Batman Begins, The Dark Knight y The Dark Knight Rises) como guionista.


Se puede entender, por tanto, que gracias al impulso dado en los últimos años por el cine y las grandes cadenas televisivas de EEUU (Heroes, 2006) o Reino Unido (Misfits, 2009), los superhéroes y su imaginario han recuperado el esplendor del que disfrutaron en la edad de oro de los comics y, para Andrew Bolton, comisario de la exposición Superheroes: Fashion&Fantasy que se mantuvo en el Metropolitan de Nueva York entre el 7 de mayo y el 1 de septiembre de 2008, "la moda se ha acercado a los superhéroes hasta límites que superan su iconografía y que entran en los campos de la identidad, la sexualidad y el nacionalismo".


Además, añade: "El mundo de los superhéroes está hoy día presente en muchos aspectos de la cultura popular. El traje ya icónico de capa, máscara y leotardos cuenta ya con muchas mutaciones en el mundo de la moda"




Superman transforma su cuerpo en un lienzo sobre el que imprimir logotipos y crear marcas, algo que superhéroes posteriores como Daredevil (DD) o Spiderman también adoptan, pese a que el hombre araña lo representa mediante una simplificación de sus súper poderes, és decir, con la imagen de la telaraña.

Bernhard Willhelm, en colaboración con el artista Carsten Fock (s/s 2006), reprodujeron interpretaciones de la insignia de Superman que sugería el trabajo de un grafitero. El tratamiento de Jean-Charles de Castelbajac (f/w 2001-2002) fue más tradicional. Moschino hizo algo similar en su colección s/s 2006. Referente a Spiderman, su símbolo, pese a que no resulta una referencia directa al superhéroe es de todas formas evocado, como sucedió con Jun Takahashi para Undercover (s/s 2008). Lo mismo sucede con telas de araña decorativas en vestidos, ya sea Jean Paul Gaultier (s/s 2003) o Julien Macdonald (f/w 2003-2004).




El más reciente ejemplo lo encontramos en el desfile f/w 2011 de Jeremy Scott en Nueva York, con claras alusiones a superhéroes como Superman, Flash o Batman mediante el uso de sus símbolos o logotipos.





Los superhéroes son esencialmente americanos, y como la mayoría de los fenómenos de la cultura pop, reflejan y responden a conflictos sociales y políticos del mundo real. Durante su era dorada (1938-56) superhéroes como el Capitán América o Wonder Woman reaccionaron a la II Guerra Mundial luchando contra el fascismo.


"Ellos llevaron, literalmente, su fervor por la bandera."


Wonder Woman fue el punto de partida de John Galliano para Christian Dior evocando los matices políticos y sexualizados de su traje (Haute Coutute s/s 2001). Bernhard Willhelm evocó la onda "mod" de la heroína (s/s 2008) y Jeremy Scott utilizó los elementos de la bandera americana como declaración politizada que enfatizó la parte inquietante del nacionalismo (‘El derecho a portar armas’ s/s 2007). Viktor&Rolf presentó una conceptualización a-partido de las estrellas y rayas (f/w 2000-2001).



The Hulk fue una respuesta a los miedos inherentes de la era atómica. El Dr. Bruce Banner, inventor de la 'bomba gamma', fue alcanzado por los efectos de la explosión de la misma en su primer testeo, a causa de unas maquinaciones comunistas. Es la personificación de la masculinidad hegemónica y encarna las fantasías adolescentes de empoderamiento físico.

Issey Miyake by Naoki Takizawa, s/s 2001 introdujo unas bolsas de aire que generaban una musculura exagerada e inmediata. Otros diseñadores lo han relacionado a la masculinidad del futbolista americano. La colección f/w 2004-2005 de Bernhard Willhelm presentó piezas infladas como The Hulk mediante hombreras-protectores. Su versión femenina se puede encontrar en la colección s/s 2005 de Alexander McQueen.






En los comics, las superheroínas son retratadas como objetos de fantasía y deseo. "La sexualidad se presenta con todos sus adornos -desde el punto de vista masculino- y luego se controla o domestica con una simple negación de su poder. Esa es la paradoja del superhéroe femenino."


Catwoman siempre se ha identificado con la idea de dominatrix. El lenguaje visual y simbólico del personaje resuena fuertemente en la moda, especialmente en el trabajo de John Galliano (Dior Haute Coutures/s 2001), Dolce & Gabbana (s/s 2007), Gianni Versace y Alexander McQueen (s/s 2000).




También hay superhéroes que no tienen súper-poderes, pero que en lugar de ello, tienen un traje/armadura que los ayuda a combatir a los malvados como Batman o Iron Man. Respecto el primero de ellos, se señala que mediante una disciplina obsesiva y militar, se convierte a sí mismo en una máquina de pelea. El color y el diseño del traje hablan de sus asociaciones -noche, miedo, y lo sobrenatural-y de su modus operandi -ocultación, sigilo y sorpresa. Iron Man sirve como una metáfora de paranoia defensiva, nuestras debilidades, limitaciones y vulnerabilidades humanas. Al mismo tiempo, él actúa como una metáfora de nuestra realidad social, donde la distancia entre el cuerpo y la tecnología está desapareciendo rápidamente. Ambos superhéroes encuentran resonancia en el trabajo de Thierry MuglerDolce & Gabbana (s/s 2007), Nicolas Ghesquière para Balenciaga (s/s 2007) y Gareth Pugh (s/s 2007). Estos diseñadores invocan una conciencia exagerada de la fragilidad de la carne.




Mediante los avances en la tecnología, la brecha entre súper héroes de ficción y súper héroes de la vida real está disminuyendo. Jean Paul Gaultier exploró este nexo de ficción y realidad en su colección Femmes Amazone, la cual incluyó leotardos que citaban la idea de lo aerodinámico de superhéroes como Flash. El traje Swift de Eiko Ishioka para Nike y Fastskin para Speedo son una necesidad funcional. Éstos fueron una solución aerodinámica para la resistencia del agua. Hechos a partir de un textil superstretch que se ajusta al cuerpo como una segunda piel, tienen una costura única y una superficie que reduce la fricción y aumenta la velocidad.





Los mutantes como los X-men son vistos por los científicos como una nueva fase evolutiva de los humanos, y por lo mismo, son temidos y repudiados por la sociedad. La moda celebra la diversidad, diferencia y distinción. En términos de influencias e inspiración, es la primera en recibir a lo marginado o desconocido. Y mientras la moda es conocida por ser promotora de estándares idealizados en incluso tiránicos de belleza, también los critica arduamente. Thierry Mugler (f/w 1997-1998), Alexander McQueen (f/w 2007-2008) y ThreeAsFour (1999) son claros ejemplos de ello.




"La moda nos desafía a abrirnos a la belleza de lo diferente a través de una aceptación liberadora de lo desconocido y poco ortodoxo."






Marina Díaz Ayet | Historia Moda | Mm1



John Galliano fue una pieza Fundamental para la firma Dior.

Trás la muerte de su fundador Christian Dior, el 24 de octubre de 1957, la casa Dior continuó su actividad exitosamente con otros diseñadores de gran renombre como Yves Saint Laurent, Marc Bohan y Gianfranco Ferré, pero no fue hasta 1997 con John Galliano como director creativo, cuando la marca resurgió con tanta fuerza o más que cuando vivía su creador.

En 1998 Gucci abrió la veda a nuevas campañas de publicidad con el fotógrafo Tom Ford, utilizando el sexo como reclamo, con una fotografía que sugería una felación entre dos jóvenes. Esta campaña supuso el manifiesto fundamental de lo que se conoce como porno-chic, que no era otra cosa que fotografías pornográficas de calidad y buen gusto.



En la primavera de 2000, Galliano fue más allá y propuso el lesbian-chic con la colaboración del fotógrafo Nick Knight, eran una serie de fotografías similares a las de Gucci por su alta carga erótica pero en este caso la situación ocurría entre mujeres.
Así fue como John Galliano renovó la imagen de la mujer Dior, que dejó de estar sometida al deseo del hombre, para tomar poder de decisión.





Galliano no se limitó a seguir la línea estilística sino que supo combinar los códigos de la marca Dior con un espíritu visionario, joven y un toque de excentricidad, consiguiendo así, un éxito rotundo en los años que trabajó para la marca. 

Su trabajo finalizó con un sabor amargo cuando la firma decidió, no sólo suspenderlo, sino despedirlo definitivamente de la empresa por sus declaraciones antisemitas, todo un escándalo, algo que le ha acompañado a lo largo de su trayectoria y que incluso asoció a la propia marca.



Yasmina Esteo


La impresión 3D y  su amplio abanico de posibilidades. 


La impresión en 3D es un tema que hace tiempo me intriga, ¿Hasta dónde llegará?, ¿Dónde están los límites?, ¿Qué seremos capaces de crear con semejante herramienta en nuestras manos?.

El uso de esta tecnología no es algo nuevo, tiempo atrás se trabajaba en prototipos con el objetivo central de ayudar a los arquitectos y diseñadores con sus maquetas y ensayos. De esta manera cuando tenían impresas las piezas podían hacerse una idea de como funcionarian. Las impresoras en 3D permiten crear estructuras en tres dimensiones, a partir de un archivo digital trabajado en software CAD (computer-aided design), programa que permite el diseño asistido por ordenador.

Lo que se puede llegar a hacer o en que campos se puede aplicar la impresión en 3D no deja de crear expectación, sobre todo después de que saliera en las noticias el proyecto que llevo acabo Cody Wilson, estudiante de Derecho de la Universidad de Texas. Este estudiante diseñó y fabricó un arma en su totalidad haciendo uso de esta tecnología; todo esto para iniciar un debate sobre la legalidad de esta practica, entender donde están los límites de la censura y hacer reflexionar sobre las posibles consecuencias de un sistema de fabricación distribuido.

Es obvio que como para todo, existen los pros y los contras pero ¿Qué tan importante puede llegar a ser el impacto del mal uso de herramientas como estas?

Uno de los sectores en el que se hace notar cada vez más este tipo de tecnología es en el sector de la moda. Iris Van Herpen, diseñadora holandesa, conocida por ver en la moda una vía para la exploración artística de la creatividad , es pionera en la utilización de esta y otras tecnologías digitales en los desfiles de alta costura de París.

Su última colección Voltage esta inspirada en la electricidad , en la capacidad que tiene esta para cambiar los estados y organismos, y para la cual se utilizaron las técnicas más punteras. De los once vestidos que diseño, dos fueron creados con impresión en 3D y uno con sinterizado láser.



                                           Haute Couture Show ‘Voltage’ 2013



“Mi trabajo viene de ideas abstractas y el uso de nuevas técnicas, no de la reinvención de las viejas ideas.Creo que sólo será cuestión de tiempo antes de que veamos la ropa que usamos hoy en día producida con impresión 3D.” IVH



La pieza estrella : un conjunto de dos prendas con miles de nódulos blancos. Para su realización se utilizo un nuevo tipo de impresora, la Objet Connex, que hace posible combinar varios materiales en un único proceso de impresión, permitiendo que la consistencia y la estructura pueda definirse de forma personalizada. En este caso se combinó un material más suave y flexible, con otro que actúa como un esqueleto estructural. El amplio abanico de posibilidades despliega un nuevo camino por explorar a la hora de diseñar.




                                           Haute Couture Show ‘Voltage’ 2013


La posibilidad de variar la suavidad y elasticidad nos inspiró para diseñar una segunda piel para el cuerpo que actúa como una armadura en movimiento. De esta manera hemos sido capaces de diseñar no sólo la forma de la prenda, sino también su movimiento.”IVH



Otro ejemplo más, en el camino por encontrar una aplicación creativa a esta tecnología, es el de la firma de joyas impresas en 3D, Hot Pop Factory, creada por los arquitectos Bi-Ying Miao y Matt Compeau. Desde treinta euros ponen a disposición de sus clientes piezas de diseño exclusivo, impresas en madera o en Nylon.










Sin duda la aplicación de esta herramienta se puede extrapolar a una infinidad de campos, todo depende de la imaginación del diseñador. La creatividad no es mala. Pero ¿Hacia dónde va enfocada? ¿Realemente se esta gestionando bien el tiempo y la energía empleada? Si en su momento la gran distribución, la serialización masiva provocó el surgimiento del capitalismo y con ello la era del consumo ¿Qué pasará con la democratización de la fabricación? ¿Qué cambios podemos esperar cuando fabricar x objeto esté tan solo a un click de nuestro ordenador?





Dámaris Valencia Reyes.
Mm1